Hyperclub: un club español para científicos de ideas disparatadas y sin sentido común.

Ricardo Baroja. Miembro del HYPERCLUB

En 1920 un grupo de intelectuales españoles fundaron el HYPERCLUB, un selecto club de científicos, con mucho sentido del humor, era una sociedad secreta y sólo aceptaba como socios a aquellos que hubieran llevado a cabo alguna idea disparatada, carente de sentido común o proyectos insensatos. En los estatutos del club figuraban normas como que el presidente estaba obligado a tratar a los demás miembros de "Usted" mientras que para los miembros era obligatorio tratar a su presidente de "TÚ". “La falta de sentido común era el ideal del club, y sus miembros debían personificar este ideal al formular sus proyectos” explica Thomas Glick, profesor de Historia medieval española e Historia de la ciencia y la tecnología en la Universidad de Boston (EEUU).

En la agencia SINC comentan que  "En sus reuniones solamente se tenían en cuenta ideas y proyectos disparatados, como, por ejemplo, la propuesta del aviador José Rodríguez Díaz de cerca de un hospital psiquiátrico que los miembros consideraban paso previo obligatorio para la entrada en el Hyperclub."
Lecea de perseguir avutardas hasta derribarlas con las alas del aeroplano; o la transcripción al verso en castellano del Tratado de Mecánica Celeste del científico Laplace que hizo el aviador vasco Legórburu. En otra ocasión, en un absurdo arrebato, el aviador Gómez Spencer concibió una fórmula matemática que determinaba la jornada de trabajo de los serenos de Madrid.(...) Ingenieros, intelectuales y pilotos militares se mezclaban en las reuniones que tenían lugar en el Aeroclub de Madrid,

Entre los socios se contaban Juan de la Cierva, inventor del autogiro; Mariano Moreno Caracciolo, divulgador de la relatividad; el coronel de ingenieros Joaquín de la Llave y Sierra; los aviadores Alejandro Gómez Spencer y José Rodríguez y Díaz de Lecea; el pintor y escritor Ricardo Baroja; Federico Lafuente, escritor; Juan Viniegra, ingeniero hidrógrafo; José María Legórburu; y Emilio Herrera, al que su aventura en globo la Nochebuena de 1907, cuando un aguacero le hizo descender y quedar atrapado entre un grupo de madrileños borrachos, le valió la entrada como miembro. La mayoría de ellos eran militares a la vez que hombres de ciencia.

El club se disolvió con la llegada de la Guerra Civil, ya que cada uno de sus miembros era partidario de un bando. Siguieron carteándose, algunos como Ricardo Baroja (hermano de Pío Baroja) desde Francia en donde se había refugiado como partidario de la República, solicitaron por carta un avión, un piloto y una bomba para bombardear el Palacio del Pardo en Madrid. Emilio Herrera, antiguo presidente del Hyperclub le contesto que esa petición era tan descabellada y demostraba una falta tan grande de sentido común que le hacía merecedor del título de Presidente del Hyperclub.

Crumbles: Crea divertidos vídeos de películas a partir de texto.

Crumbles es un curioso y divertido servicio web que convierte en un montaje de películas el texto que introduzcas. Escribes el texto, seleccionas en el panel lateral el estilo que prefieres (películas, Homer Simpson, etc) y la web crea un montaje de vídeo en el que se reproduce el texto que has escrito previamente en el recuadro a tal efecto. De momento el servicio sólo está disponible en inglés, pero los resultados son curiosos.

Cortometraje: "Time Trap", divertidísimo corto de Michael Shanks

Cartel oficial del cortometraje

Alienígenas robots, náufragos y viajes en el tiempo, este divertidísimo cortometraje de Michael Shanks, lo tiene todo. Destacable el aire "retro" del comienzo y el peculiar diseño de la nave espacial del protagonista.

Cine y animación en el Paleolítico: ¿Eran dibujos animados las pinturas rupestres?

Desde hace 20 años el arqueólogo y cineasta francés Marc Azéma lleva investigando las pinturas rupestres de varias zonas de Francia convencido de que nuestros antepasados eran conocedores de los efectos que una llama titilante producía en las pinturas, dotándolas
de vida, la prehistoria, nunca mejor dicho, del cine y de la animación. Auténticas imágenes en movimiento.

Cada vez más y más estudiosos de las pinturas rupestres de todo el mundo están convencidos de que éstas tenían vida empleando rudimentarias técnicas de animación que tenían al fuego como protagonista. Azéma ha descubierto más de 50 pinturas en una decena de cuevas del país que representan movimiento. Sus hallazgos en Lascaux son los más relevantes: más de veinte animales, sobre todo caballos, con múltiples cabezas, piernas y colas que no fueron dibujadas por casualidad. Si no pensados para que las figuras se moviesen al ritmo de una llama, debido al fenómeno óptico conocido como "persistencia de la visión".  Hoy por hoy el movimiento es inapreciable debido a la luz eléctrica, los focos y lámparas empleados para iluminar las cuevas son luces planas, pero con la tambaleante luz de un fuego las figuras cobran vida. En una de las cuevas de El Castillo (Cantabria, España) hay una galería muy estrecha con una marmita. En ella, quien asoma la cabeza puede ver que se han representado caballos y ciervos. Cuando se introduce alguna fuente de luz en movimiento, los animales también parecen desplazarse. “Tienes que jugar con el espacio, girarte 360 grados para entender cómo los animales corren alrededor de tu cabeza”, explican. Las teorías no están exentas de polémica pero parece que todo apunta a que se empleaba la animación con fuego para dotar de vida a las figuras.

Pensad en ello, figuras en movimiento, primitivos GIFs, animaciones, animales y figuras que cobran vida a la luz de una llama, en el interior de una cueva, un mundo estático que cobra movimiento a tu alrededor en cuanto entras en la cueva con una antorcha...una experiencia casí mística. 

Artículo original AQUI

¿Qué es el éxito? ¿Hay una edad límite para tenerlo? ¿Qué es la creatividad? ¿Podemos llegar a pensar como genios?

De esto es de lo que trata la miniserie de dos episodios, de unos 4 minutos cada uno, titulado "The Long Game" producida por DELVE.

Da Vinci alcanzó el éxito a los 46 años, a los 30 años se consideraba a sí mismo un fracasado, lo mismo que el gran Michael Faraday, que a los 30 fregaba un laboratorio para ganarse la vida. Nikola Tesla, quizá uno de los más grandes genios de nuestra historia reciente estaba en bancarrota a la misma edad, lo mismo que Proust o muchos otros grandes artistas, inventores o genios de la historia.

Utilizando recursos de dominio público y publicado bajo una licencia Creative Commons, "The Long Game" explora cuestiones como el éxito, la edad y la creatividad.

(Para activar los subtítulos en castellano teneís que pulsar en donde pone CC, en la parte inferior del reproductor y seleccionar el idioma)

Primera Parte:


The Long Game Part 1: Why Leonardo DaVinci was no genius from Delve on Vimeo.


Segunda parte:


The Long Game Part 2: the missing chapter from Delve on Vimeo.

Cortometraje: Wanderers, increíble y espectacular corto narrado por Carl Sagan.

El director Eric Wernquist ha sorprendido a medio mundo con este espectacular vídeo que muestra el futuro de la humanidad a medio-largo plazo, valiéndose de un extracto narrado por el propio autor del maravilloso libro "Pale blue dot" del científico ya fallecido Carl Sagan. En él, sin argumento aparente se nos dan unas pinceladas de nuestro futuro como vagabundos (de ahí el título en inglés: "Wanderers"), como pioneros, exploradores y colonizadores de nuestro vecindario en el Sistema Solar, una visión esperanzadora, emocionante, con una increíble fotografía que, por cierto, es científicamente exacta (salvo algunas licencias mínimas que el propio Eric comenta en este artículo). Con la impresionante voz del propio Carl Sagan "la idea del film es mostrar un resquicio de lo que puede ser nuestro futuro en nuestro propio Sistema Solar, la fantástica belleza de los mundos que nos rodean y tratar de imaginar cómo será cuando estemos allí." en palabras de su director.



Wanderers - a short film by Erik Wernquist from Erik Wernquist on Vimeo.

Utsushi-e, animación multimedia japonesa del siglo XVIII.

¿Qué dirías si te digo que en Japón, durante los siglos XVIII y XIX podias ver auténticos espectáculos de dibujos animados, narrados, interpretados en vivo, con música en directo y en donde la animación se realizaba en tiempo real?  No, no estoy hablando de sombras chinescas. Hablo de largometrajes de dibujos animados: primitivas películas de animación.

La tradición teatral asiática, sobre todo japonesa, es una de las más antiguas del mundo, y además una de las que siempre ha recurrido a efectos ópticos, sonoros y audiovisuales como recursos para apoyar la narración de historias y nunca ha tenido reparos a la hora de adaptar tecnologías de distintas épocas para el arte del entretenimiento. Una de las más curiosas disciplinas del teatro japonés, ahora mismo se puede considerar un arte prácticamente extinto, por desgracia, es el Utsushi-e.

El Utsushi-e nace en Japón a finales del siglo XVIII, muy poco tiempo después de la introducción de la "Linterna Mágica" (inventada en Europa tan sólo un siglo antes, en 1659 aproximadamente) en el continente asiático por los holandeses. La "Linterna Mágica"consistía en una cámara oscura con un juego de lentes y un soporte corredizo en el que se colocaban transparencias pintadas sobre placas de vidrio. Estas imágenes se iluminaban con una lámpara de aceite. Un primitivo proyector de ilustraciones. Los japoneses, que venían representando teatros de sombras y marionetas desde el siglo IV antes de Cristo, enseguida vieron en este invento europeo una forma de adaptar su tradicional teatro de sombras a una tecnología absolutamente nueva, creando un espectáculo audiovisual híbrido. Sin duda el espectáculo audiovisual más tecnológicamente avanzado de la época en todo el mundo. Ahora, los tradicionales marionetistas de sombras se convertían en animadores, manejando los proyectores y haciendo pasar las primitivas diapositivas a distintas velocidades, dando sensación de movimiento. Las crónicas dicen que algunas compañías de Utsushi-e llegaron a emplear  transiciones que evocan modernos efectos tales como fundidos a negro, zooms, travellings...un siglo antes de que se inventara el lenguaje cinematográfico. Por desgracia ninguna obra de Utsushi-e ha sido registrada en cine posteriormente a la llegada de los primeros cinematógrafos a Asia.

Un espectáculo típico de Utsushi-e consistía en proyecciones realizadas con furo (linteras mágicas de madera) y taneita (diapositivas pintadas en cristal), narración oral en vivo y música en directo. Todo un show multimedia. Por lo general podría haber hasta 8 furo situados detrás de una finísima pantalla de papel washi manejados por otros tantos operadores, además de uno o dos operadores más que proyectaban los fondos y la escenografía animados. un narrador iba contando la historia (generalmente grandes gestas, leyendas, mitos y aventuras de la era Edo) mientras uno o varios músicos proporcionaban la ambientación. El público, sentado frente a la pantalla, asistía a una experiencia audiovisual "multimedia" casi mágica, con coloristas imágenes en movimiento, música y narración, mientras los "linternistas" realizaban cada vez más sofisticadas y complejas secuencias de animación y transiciones.

El Utsushi-e fue relegado al olvido con la llegada del cinematógrafo. En 1970 la compañia teatral japonesa Minwa-za empezó una labor de recuperación, investigación y puesta en valor de esta antigua y perdida forma de entretenimiento, y ha creado y re-creado varios espectáculos tradicionales que emplean esta primitiva forma de animación.

Una técnica tradicional de animación muy interesante que quizá aún tenga mucho que decir actualmente y en la que habría que investigar más.

Aquí podéis ver uno de los shows completos de linterna mágica realizado por Minwa-za en una representación en Chicago.

Enlaces:

http://www.f.waseda.jp/kusahara/Utsushi-e/Performing_Utsushi-e.html

http://www.jfbp.org.hu/en/gallery/minwa-za-tarsulat-utsushi-e-japan-feny-arnyjatek-eloadas/13?page=1

http://we-make-money-not-art.com/archives/2006/03/-a-work-by-taka.php

Técnicas creativas: Tagtool, ¡dibuja, pinta y anima con luz en tiempo real!

Hoy os voy a hablar de una de las herramientas artísticas con más potencial creativo que conozco, además de ser rápida, intuitiva y sobre todo, muy divertida. El potencial es enorme para performances, teatro, danza, música o incluso realizar pequeños mappings de video sencillos. el único límite es tu creatividad.

El proyecto Tagtool nació en el 2006 por una pequeña productora independiente de artistas visuales llama OMAI. Se trataba en sus inicios de una herramienta DIY (Do It Yourself o Hazlo Tú Mismo) pensada para ilustradores y artistas visuales como un método asequible, libre, rápido e intuitivo de pintar y animar en performances en tiempo real. Una especie de mapping de vídeo simple, pintando con luz. El sistema consistía en una consola de fabricación casera con la que se controlan cosas como el color, transparencia, grosor de los trazos, etc, una tableta gráfica normal y un mando de videojuegos tipo Playstation, todo esto conectado a un ordenador que corre un software propio que por cierto, es libre, y gratuito llamado Nodekit.  El manejo es muy intuitivo: el artista dibuja con la tableta gráfica mientras, en tiempo real, ve lo que está haciendo en la superficie en donde proyecta, con los faders o ponteciométros controla el color, trazo y transparencia. Cuando cree que la ilustración está lista pulsa el botón y otra persona, el animador, con el mando de la Playstation puede animar, rotar, girar, mover, cambiar de capa, lo que se le ocurra. Sencillo ¿verdad? y sobre todo ¡muy pero que muy divertido! Si os resulta interesante y queréis construiros uno, ahora llamado "Tagtool old school" podeis encontrar mucha información aquí y aquí, sólo requiere un poco de maña. Si no os sentís con fuerzas o ánimo para hacerlo, Nodekit, el software que controla la herramienta, también permite protocolo MIDI lo que significa que, en vez de construiros la consola, con un controlador MIDI barato como el NanoKontrol de Korg (40 euros), una tableta gráfica y un mando de la Playstation podeís fabricaros uno. Christian Lins, un artista visual brasileño, explica muy bien, en este video cómo configurarlo y ponerlo en marcha. Si aún así todo esto os parece muy complicado, seguid leyendo...

Todo esto ha cambiado y ha tomado una nueva dimensión hace un par de años cuando OMAI decidió sacar la versión de Tagtool para iPad, de pago, pero es una app que apenas llega a los 40 dólares, una auténtica ganga para todo el potencial creativo que tiene, os lo digo en serio, yo la he probado y me parece una herramienta alucinante que puede aprenderse a manejar en menos de un par de horas. ¡Una nueva, limpia, fácil y portable forma de crear arte en movimiento allá por donde vayas! Sólo con conectar tu iPad a un proyector ya te permite crear, de una forma muy intuitiva, animaciones,

graffitis digitales, pinturas con luz lo que tú quieras. La app requiere de un poco de práctica y permite pintar con los dedos o utilizando un lápiz tipo stylus o similar para tablets. Además Tagtool es multiplayer, esto es, hasta ocho personas pueden estar conectadas, via wi-fi o airplay intercambiándose las funciones de ilustradores y/o animadores.

Desde 2006 Tagtool es empleado por muchos artistas visuales para sus performances, videoclips, talleres infantiles, obras de teatro, artistas e ilustradores que quieren dar una nueva dimensión a su trabajo, graffiti digital, arte, espectáculos de danza, las posibilidades son increíbles. Sólo tú pones el límite. Existen innumerables artistas que lo emplean de maneras muy diversas, hay muchísima información por ahí a poco que rebusques un poco por la red. Yo lo he usado y me encanta.

Mención aparte son los artistas Ricardo "Rica" Ramos, de Brasil y Fernando Sica, de México, sobre todo este último que ha alcanzado niveles increíbles con el manejo de esta herramienta para iPad bajo el nombre artístico de "THE QUEST" cada nuevo proyecto es una auténtica delicia visual y su destreza ilustrando y su creatividad a la hora de utilizar Tagtool va siempre un paso más allá, llevando la ilustración en movimiento siempre a un nuevo nivel con esta herramienta. Un poco más abajo teneis algunos ejemplos de The Quest y de las cosas increíbles que hace con una herramienta tan relativamente simple.

Pensad en las posibilidades de esto: pintar, animar, ilustrar y dar movimiento a tus imágenes en tiempo real, en un formato totalmente escalable ¿una pared? ¿qué tal un edifico gigantesco? ¿pintar sobre un bailarín mientras danza? ¿una obra de teatro para niños ilustrada y animada en tiempo real? ¿por qué no? Incluso si esto no os parece suficiente teneis la posibilidad de combinarlo con otros programas de VJ (video-jockey) como Resolume a través del módulo Syphon para poder mezclar y usarlo con vídeos y efectos de vídeo en tiempo real. Aqui teneis un tutorial de cómo hacerlo desde la página oficial de Resolume.

Una herramienta sencilla y bastante desconocida por estos lares que estoy seguro interesará a muchos ilustradores o diseñadores que sientan interés por dar una dimensión original a sus trabajos y experimentar de una forma muy sencilla con animación. Probadla, No os arrepentireis.

Os dejo con algunos de los espectaculares trabajos de THE QUEST a.k.a Fernando Sica para que podais apreciar las posibilidades que ofrece.

FRONTERA from The Quest on Vimeo.

NAUTILUS from The Quest on Vimeo.

Tontería del día

¿Puede el Origami hacer avanzar la carrera espacial?

Interesantísima charla de Shannon Zirbel sobre cómo el origami podría solucionar algunos problemas presentes a la hora de enviar sondas al espacio. La manera en que se pliegan los paneles solares es determinante para poder desplegar una mayor superficie de captación de energía en el menor espacio posible para que el sistema sea verdaderamente eficiente. Un área en el que el origami (o papiroflexia) puede aportar un montón de soluciones nuevas y nunca exploradas hasta ahora. Por ahora la charla sólo está disponible en inglés, pero es de esperar que, como siempre, se subtitule pronto a nuestro idioma,